Nghệ thuật của thế kỷ XX trong các bộ sưu tập xuân hè
TRONG MỘT TUYỆT VỜI TUYỆT VỜI nói về xu hướng từ bục giảng có thể được điều chỉnh cho tủ quần áo của bạn trong sáu tháng tới. Trong số này, chúng tôi đề cập đến xu hướng sáng nhất của mùa - nghệ thuật, xuất hiện trong các bộ sưu tập xuân hè của các nhà thiết kế từ Prada đến Mitchal Gurung.
Mọi chuyện bắt đầu như thế nào
Những ý tưởng của thế giới nghệ thuật luôn ảnh hưởng đến thiết kế quần áo và vải. Trong những năm 1920, avant-gardene và Fauvists, dẫn đầu bởi Henri Matisse, đã ảnh hưởng đến thời trang, có thể bắt nguồn từ quần áo của Paul Poiret. Madeleine Vionne rất thích lập thể và sử dụng các hình dạng và đường nét hình học trong quần áo, và nghệ sĩ tương lai Ernesto Tayat đã thiết kế logo cho ngôi nhà Vionnet của cô. Trong những năm 30, niềm đam mê siêu thực. Elsa Schiaparelli đã tạo ra các nút ở dạng kẹo và đậu phộng và là bạn của Salvador Dali và Jean Cocteau, cho thấy chiếc váy lụa với tôm hùm, áo khoác, mô tả một người phụ nữ có mái tóc dài chạy xuống tay áo và vòng tay quanh eo. Những ý tưởng này và những ý tưởng khác sẽ nảy sinh hơn một lần trong các nhà thiết kế hiện đại, bao gồm cả người Nga (nghĩ về bộ sưu tập của Alexander Terekhov Thu-Đông - 2013).
Thập niên 50 và 60 trở thành thời điểm mà thời trang, âm nhạc và nghệ thuật đan xen, và sự xuất hiện của truyền hình màu đã hoàn thành bước đột phá của văn hóa thị giác. Đồng thời, một nền văn hóa tiêu dùng, nhân rộng và thị trường đại chúng đã xuất hiện - mọi thứ vẫn chưa mất đi vị thế của nó cho đến nay. Giới trẻ đổ vào các trường đại học và cao đẳng sáng tạo, và ở London và New York, việc trở thành một nhà thiết kế, nhiếp ảnh gia, người mẫu, nhà thiết kế đồ họa hoặc thời trang (và không bao giờ ngừng hoạt động) trở nên thời thượng. Các nhà thiết kế đã đào tạo lại các ngôi sao nhạc rock (ví dụ, Pete Townsend từ The Who hoặc Keith Richards từ The Rolling Stones), và các nghệ sĩ đã tạo ra các áp phích cho các buổi hòa nhạc và bìa album, như nghệ thuật xuất hiện trên mỗi cột đèn.
Tên của các nghệ sĩ nhạc pop biết tất cả mọi thứ: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - họ là những người đầu tiên phản ánh xã hội tiêu dùng và văn hóa đại chúng, miêu tả những gì mọi người quan tâm ở đây và bây giờ (quảng cáo, truyền hình, hàng hóa từ các cửa hàng). Cha đẻ của nghệ thuật pop được coi là người Anh Richard Hamilton, người đã tạo ra ảnh ghép đầu tiên và nổi tiếng nhất "Vậy điều gì làm cho ngôi nhà của chúng ta ngày nay trở nên khác biệt, hấp dẫn đến vậy?" năm 1956. Roy Lichtenstein đã thử nghiệm với hình ảnh của truyện tranh và phim hoạt hình. Andy Warhol, trước khi trở thành một nghệ sĩ, làm việc như một họa sĩ minh họa, dường như, trong tất cả các tòa soạn thời trang ở New York, đã có những kết nối đúng đắn và bật đèn xanh cho sự pha trộn của các thể loại. The Velvet Underground được tài trợ bởi John Cale của Warhol đã kết hôn với nhà thiết kế thời trang Betsy Johnson, người gần đây đã tiếp tục sản xuất quần áo ở tuổi 72. Vào thời điểm đó, Betsy đã tạo ra những chiếc áo phông ngộ nghĩnh dưới nhãn hiệu Youthquake và làm việc tại một trong những cửa hàng chính của New York thời bấy giờ - Parapottaalia trên Đại lộ Madison, hợp tác với Edie Sedgwick và Warhol, người, lần lượt vẽ giấy cho cửa hàng. váy mini và túi shopper (quần áo dùng một lần đã trở thành mốt).
Đó là vào thời hoàng kim của nghệ thuật pop trong thập niên 60, cần có thiết kế nhanh và rẻ - các cửa hàng đã nhanh chóng đáp ứng yêu cầu của mọi người. Ví dụ, cửa hàng Biba trên đường Abingdon đã cập nhật các bộ sưu tập của mình mỗi tuần - đây là một kỹ thuật hiện đang vận hành thành công thị trường đại chúng. Twiggy đã viết: "Mọi thứ đã lỗi thời ngay khi nó xuất hiện. Tuy nhiên, chỉ có sự hiện đại mới thu hút, nó đã đẩy lùi mọi thứ cũ kỹ."
Bỏ qua nghệ thuật pop là không thể. Yves Saint Laurent đã phát minh ra những chiếc váy dệt kim phản ứng với các ứng dụng ở dạng trái tim, hồ sơ nữ, cũng như đôi môi, gần đây đã giải thích Edie Slimane. Sau bộ sưu tập "Mondrian" của Saint-Laurent năm 1965, Stephen Willats đã tạo ra một chiếc váy tương tự "Change Sheets", nhưng chỉ từ vinyl thời trang mới. Pierre Cardin đã thử nghiệm với nhựa vinyl, và Roy Halston đã tạo ra những chiếc váy với những bông hoa của Warhol năm 1964, được Miuccia Prada trích dẫn trong bộ sưu tập xuân hè 2013.
Vào những năm 1980, nghệ sĩ Keith Haring, được biết đến với nghệ thuật graffiti nghệ thuật pop, sẽ mở Pop Shop ở New York, nơi ông sẽ bán áo phông với các tác phẩm của mình. Vivienne Westwood cũng sẽ làm việc với Haring trong thập niên 80 trong bộ sưu tập Witches, nơi người Anh sẽ tái tạo các tác phẩm của họa sĩ với màu sắc rực rỡ, và ngày nay, Haring, tác phẩm trên áo phông được thương hiệu Uniqlo, cũng phát hành hợp tác với Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại New York. Vào năm 1991, nghệ thuật pop sẽ một lần nữa chứng minh bản thân: Gianni Versace của Ý sẽ tạo ra một chiếc váy bó sát với một bản in của khuôn mặt axit stprint Marilyn Monroe và James Dean, để tỏ lòng tôn kính với Andy Warhol. Một bổ sung cho màu sắc không tương thích của chiếc váy sẽ là một chiếc áo lót theo phong cách showgirl, được trang trí bằng kim cương và các ứng dụng vải. Cô gái trẻ Naomi Campbell sẽ xuất hiện trong chiếc váy này và Chủ tịch của Condé Nast Nicholas Coleridge sẽ lưu ý rằng khách hàng của Versace không phải chịu gánh nặng "đạo đức cao".
Làm thế nào để mặc những thứ lấy cảm hứng từ nghệ thuật, bây giờ
Các nhà thiết kế không phải là mùa đầu tiên nhìn vào nghệ thuật, sau đó đưa vào các bản in quần áo, sao chép của các nghệ sĩ nổi tiếng (Bosch và Gauguin thường được trích dẫn ở đây), sau đó hợp tác với các nghệ sĩ đương đại. Tuy nhiên, mùa này, một sự nhấn mạnh đáng chú ý đã được đặt vào nghệ thuật pop, mặc dù nó không có Gauguin (chúng tôi đã thấy bản sao của anh ấy tại triển lãm Aquilano.Rimondi và trong bộ sưu tập couture Maison Martin Margiela). Với nghệ thuật pop và pop thập niên 60, thời trang hiện đại có liên quan và thương mại hóa thời trang và nghệ thuật. Biểu hiện nổi bật nhất của nghệ thuật pop là bộ sưu tập Prada - Miuccia Prada nghĩ lại công việc của các nghệ sĩ đương đại và đường phố: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra và những người khác. Ngoài ra, một số thương hiệu sản xuất ly hợp thanh lịch đã trở nên phổ biến: Túi của Sarah có tác phẩm của Roy Lichtenstein, Yazbukey tạo ra những chiếc ly hợp sáng màu dưới dạng một bao thuốc lá hoặc kem đánh răng, Lulu Guinness của Anh - dưới dạng môi. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott và Ashish về nghệ thuật pop, chú chó đã ăn: ở đây bạn và Coca-Cola, và một bản in dưới hình thức phòng ngừa trên truyền hình.
Ngoài ra, Jeremy Scott, trong bộ sưu tập mùa tiếp theo của Moschino, trưng bày những chiếc váy quấn, trích dẫn những thứ đầu tiên được tạo ra để quảng cáo vào năm 1956, cụ thể là váy và váy có chiều dài của Marti Label, được trang trí đầy đủ với logo thương hiệu được mặc bởi những người hâm mộ nhạc rock đầu tiên. cuộn cho đồ uống lễ hội miễn phí. Christopher Kane tạo ra những chiếc váy có in hình dưới dạng màu sắc được nhân rộng, gợi lại công việc của thập niên 60. Raf Simons cho Christian Dior sử dụng kỹ thuật của nghệ thuật pop - logomania. Missoni được lấy cảm hứng từ truyện tranh Nhật Bản. Kenzo trích dẫn đồ họa hiện đại và phác thảo bằng bút chì. Mitchal Gurung tạo ra sự tôn kính Marilyn Monroe. Preen được áp dụng cho trừu tượng trang phục.
Một số thương hiệu ngay lập tức được truyền cảm hứng từ chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, chủ yếu là các tác phẩm của Jackson Pollock và Mark Rothko. Trong bộ sưu tập Chanel, Lagerfeld đã áp dụng các bản in trên quần áo dưới dạng những vệt sơn sáng, và trang trí không gian trưng bày với 75 tác phẩm nghệ thuật với các biểu tượng của nhà Chanel; tranh, tác phẩm điêu khắc và sắp đặt sau buổi biểu diễn đã được chuyển đến Grand Palais ở Paris. Trước khi rời Jil Sander, Gilles Zander cũng bao gồm một số cung với các bản in trừu tượng trong bộ sưu tập xuân hè đơn sắc mới nhất của cô. Phoebe Failo đã phát hành bộ sưu tập Сéline, dường như, được kết hợp bởi Fauvism và một triển lãm lớn "Henri Matisse: The Cut-Outs, đi đến Tate Modern cho đến tháng 9. Ngay cả Calvin Klein cũng có một chiếc nơ với hình in trừu tượng.
Như nhà thiết kế người Anh Jonathan Anderson nói, cho thấy các bộ sưu tập phi lợi nhuận mà các nhà phê bình đã suy nghĩ từ lâu: Đối với tôi, thời trang chưa bao giờ là một nghệ thuật. Bạn không thể so sánh một nghệ sĩ và một nhà thiết kế. Sự khác biệt là nghệ thuật không giảm doanh thu, mà ngược lại, trong những năm qua, nó đã tăng giá, nhưng một chiếc váy hiếm hoi được đưa vào bảo tàng thời trang.
THƯỞNG!
Các thương hiệu dân chủ nhỏ từ lâu đã yêu thích sử dụng nghệ thuật cho mục đích thương mại, nhưng họ thường làm điều đó theo cách trực diện. Cẩn thận với những chiếc áo nỉ hoặc túi xách có bản sao của Bosch, Van Gogh hoặc một lon súp Campbell. Nếu bạn chưa sẵn sàng trả tiền cho công việc của một nghệ sĩ tuyệt vời trên một chiếc váy đắt tiền, tốt hơn là chọn những thứ có in trừu tượng - ví dụ, có trong bộ sưu tập Zara. Mua hàng tốt sẽ là một điều từ sự hợp tác với các nghệ sĩ đương đại. Và hãy nhớ điều chính - những điều bất thường đòi hỏi phải vận hành cẩn thận: kết hợp chúng với một cái gì đó tối giản, và để lại sự lập dị phì đại cho Joan Aguzarova và Andrei Bartenev.
Ảnh: Tate Modern, Getty Images (4)